WORKBOOK versammelt Bauten und Projekte, die seit 2009 im Atelier Scheidegger Keller entstanden sind.
Ähnlich einem Logbuch zeichnet das umfangreiche Material aus dem Büroarchiv die Projekte nach. Modelle, Diagramme, Codes, Texte, Karten, Pläne, Skizzen, Mock-ups, Bau- und Detailpläne, Ingenieur- und Werkstattzeichnungen, Baustellenbilder und Fotoserien dokumentieren den Prozess und die Recherche bis hin zum realisierten Bau. WORKBOOK vermittelt so einen unmittelbaren Einblick in die vielschichtige Arbeitsweise und Gedankenwelt des Ateliers Scheidegger Keller.

Mit Beiträgen von: Christian Scheidegger, Jürg Keller /
Mit Artikeln aus verschiedenen Quellen: Tibor Joanelly, Christian Kerez, Mario Monotti, Christoph Ramisch, Christoph Wieser, Raphael Zuber u.a.

Quart Verlag, 260 Seiten, 24 × 33 cm, 275 Abbildungen, 151 Pläne, drahtgeheftet, Deutsch, Englisch

Aus Anlass der Buchvernissage zeigt das Atelier Scheidegger Keller ausgewählte Objekte und Modelle aus dem Büroarchiv.

Öffnungszeiten Ausstellung
FR 22. September 2023, 16 ̶ 20
SA 23. September 2023, 14 ̶ 18
SO 24. September 2023, 14 ̶ 18

ARCHETYPES
David K. Ross
20. August bis 26. September 2021, Besuch auf Vereinbarung 

Archetypes ist ein fotografisches Langzeitprojekt des kanadischen Künstlers David K. Ross. BALTSprojects zeigt zum ersten Mal in Europa eine Auswahl aus dieser Serie. Während vier Jahren hat David K. Ross 1:1 Fassadenmodelle (sogenannte Mock-Ups) auf Baustellen oder Testgeländen fotografiert. Nach Ross zeigen Mock-ups die aktuelle, ideale Version von einem Entwurf. David K. Ross schreibt dazu:

The mock-up is a form of interrogative architecture. They ask: Is this ok? Will this work? Do you like me? They are part thesis, part tool, and they’re investigatory but not entirely speculative.

David K. Ross ist ursprünglich Architekt. Die Annäherung und Konkretisierung an dieses Langzeitprojekt war geprägt von thematischen Fügungen. 2008 fotografierte er ein Mock-up des Clark Institute in Williamstown in Massachusetts. Diese Fotografie blieb eine Erinnerung, eine Notiz, eine Idee im Hinterkopf für ein späteres Projekt. Zu jener Zeit arbeitete David K. Ross an verschiedenen Filmprojekten und beschäftigte sich intensiv Filmgeschichte. Die Annäherung zum Thema ausgehend von der Filmkulisse und dem Filmset ist deshalb nicht ganz zufällig. Über den Film Play Time von Jacques Tati gibt es eine Dokumentation. Zu sehen sind darin die mobilen Fassadenelemente, die auf dem Set in die richtige Position geschoben wurden. Das Modellhafte dieser Elemente erinnert an Mock-Ups.

Acht Jahre später machte Ross die ersten Testbilder in Montréal von einem Mock-Up eines Wohnhauses, das er per Zufall entdeckte. Das visuelle Konzept für die Serie Archetypes entstand vor Ort. Die umliegenden Gebäude lenkten vom Mock-up ab. Die Mock-Ups visuell von der Umgebung zu isolieren, war nur nachts und mit Blitzlicht möglich. Die ersten Testbilder erinnerten David K. Ross an Fotos von Objekten, die auf dem Mond landeten, dahinter das tintenschwarze Weltall. Die Isolation des Mock-ups von der überladenen Umgebung schärft das Objekt. Zum ein-en erlaubt diese eine fokussierte Betrachtung von Struktur und Materialien zum anderen wird das Mock-up zweideutiger. Dazu schreibt David K. Ross:

One of the interesting things about erasing much of the context and background is that the mock-up slides back in the territory of the architectural model. But mock-ups are not models. They are not buildings either. They are in fact small buildings or large models and we are simultaneously overwhelmed by their verisimilitude and veracity and underwhelmed by their lack of functionality.

Die Auswahl bei BALTSprojects zeigt Mock-ups der Architekten: Arrowstreet, Boltshauser Architekten, Behnisch Architekten, BS + EMI Architektenpartner, Bonetti/Kozerski Architecture, Caruso St John Architects, Gigon/Guyer, Steven Holl Architects, Leers Weinzapfel Associates, Matteo Thun & Partners, Morger Partner Architekten, NADAAA, Shepley Bulfinch, SO-IL, Valerio Olgiati, WJ Krone Architect.

Publikation
Archetypes. Herausgeber: Reto Geiser. Mit Beiträgen von Reto Geiser, Sky Goodden, Ted Kesik und Peter Sealy. Fotografien von David K. Ross. Eine Publikation von Standpunkte, Basel. Verlag: Park Books

Foto Coverpage
David K. Ross, Steven Holl Architects, The Nancy and Rich Kinder Building, The Museum of Fine Arts Houston, Houston, USA, 2016 (III), aus der Serie Archetypes.
© David K. Ross

Elemér Zalotay
Manic Modern

10. April bis 15. Mai 2021

Die Ausstellung präsentiert zum ersten Mal das Werk des schweizerisch-ungarischen Architekten Elemér Zalotay ausserhalb Ungarns. Der 1932 in Szentes geborene und in seiner Heimat zunächst gefeierte Architekt emigrierte 1973 in die Schweiz und liess sich in Ziegelried/Schüpfen nieder (zwischen Bern und Biel). 2020 verstarb er nach kurzer Krankheit.

Bekanntestes Werk in der Schweiz ist das selbstgebaute Haus im Ziegelried, das Zalotay als Forschungshaus bezeichnete. Es bezieht sich auf einen der wichtigsten frühen Entwürfe des Architekten und Ingenieurs. 1961 plante er für Budapest ein 3km langes «Streifenhaus» mit 20’000 Wohneinheiten, das nach kontroversen öffentlichen Diskussionen aber nicht realisiert wurde. Im Entwurf für diese Wohnmaschine beschäftigte sich Zalotay mit Themen, wie sie heute nicht aktueller sein könnten. Er entwickelte beispielsweise begrünte Fassaden, Do-it-yourself-Bausysteme und kostensparende statische Konzepte.

Elemér Zalotay; Ausschnitt Modell Streifenhaus, Budapest, ca. 1965
Photo: s/w / Courtesy: Bálint Nagy, Budapest

Zalotays Leben und Werk folgen einem Haupt-Narrativ der Moderne: Als Architekt sah er sich dazu berufen, mit Erfindungsreichtum und Technik die Lebensbedingungen der Menschen zu verbessern. Seine Arbeitsweise wechselt mit Enthusiasmus und Können zwischen Architektur, Kunst und Ingenieurwesen. Zalotay hat seine Gedanken stets ins Extrem getrieben, Erkenntnisse haben sich obsessiv verselbständigt und vervielfältigt.

Deutlich wird dies in den späteren Zeichnungen, die Wimmelbildern gleichen und doch immer akribisch durchdacht, konkret und bis ins letzte Detail konstruiert und machbar erscheinen. Im Kontrast zum eigenen künstlerischen Ausdruck der Zeichnungen steht die Einreichung mehrerer Patente. Beides zusammen ergibt eine eigentliche Bauanleitung für eine bessere Welt.

Die Präsentation bei BALTSprojects folgt jenem schmalen Grat zwischen Pragmatismus und Utopie, der typisch für das Schaffen von Zalotay ist – aber auch für die Moderne schlechthin: zwischen Zwang und Überschuss berühren sich Ordnung und Chaos.

Kuratoren der Ausstellung: Monika Annen, Tibor Joanelly

Elemér Zalotay; Studie Halbpreiswohnung, ca. 1992, Zeichnung: Tinte, Papier
Courtesy: Bálint Nagy, Budapest

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Bild Vorderseite:
Elemér Zalotay, Details Wohnung, Entwurf Streifenhaus, Budapest
Zeichnung: Tinte, Papier, ca. 1965
Courtesy: Bálint Nagy, Budapest

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Die Ausstellung wurde unterstützt durch:

NW Art Foundation (NW Művészeti Alapítvány), Budapest

Sandro Steudler
Astralschlaufen & Tiefenlinien
17. Juni – 11. Juli 2020
nach der Sommerpause
29. August – 19. September 2020

«Astralschlaufen & Tiefenlinien» zeigt zwei neue Fragmente aus Sandro Steudlers Langzeitprojekt «Der Bau». Ausgangslage für dieses Projekt war das Interesse am Untergrund. Der Künstler definiert diesen als Terra incognita und als Denk- und Möglichkeitsraum. Seit 2003 wächst «Der Bau» als architektonische Datenplastik. Der Künstler entwirft und realisiert dafür Modelle, Architekturen, Skulpturen und multimediale Arbeiten, die Teil vom Bau werden. Bis heute sind über fünfzig Fragmente entworfen und realisiert worden. Die Entwicklung des Projektes kann auf der website: www.der-bau.ch verfolgt werden.

Die in der Ausstellung gezeigte multimedialen Arbeit «Astralschlaufen I und II» beschäftigt sich mit der Transformation von verschiedenen Raum- und Körperzuschreibungen, (künstlerischen) Produktionsprinzipien und deren Kategorisierungen.  
Die Videoarbeit «Das Oberflächen-Tiefen-Paradoxon (Einstieg)» entwickelt die Skulptur «Findling» und die gleichnamige Performance von 2018 filmisch weiter. «Findling» wurde 2018 als begehbare Skulptur aus lichtdurchlässigem Beton realisiert. Die Videoarbeit thematisiert die Skulptur im Stadtraum, als mögliche Behausung für Menschen und als Einstieg in den Untergrund.   

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Ein aufgezeichnetes Gespräch zur Ausstellung:

Juli 2020_Gespraech zur Ausstellung

WALDRAP

LIQUID PROJECTION I-III

Samstag, 30. November 2019, 13.30-18.00

liquid projection I-III bezieht sich auf die städtebauliche Situation der Grünau, welche als Teil des Quartiers Altstettens im Norden von der Limmat, im Süden von dem Autobahnzubringer A1H und im Osten von der Grünfläche des Hardhof vom angrenzenden Stadtgebiet isoliert ist. Dabei ist das Grundwasserfeld, welches unter der 24 Hektar grossen Grünfläche des Hardhof liegt, die eigentliche Barriere. Strenge Nutzungsbeschränkungen sowie ein monotones Angebot an Sportplätzen verhindern ein Zusammenwachsen vom Industriequartier mit Altstetten. Die heutige Situation, die weder Qualitäten als Stadtpark besitzt, noch als attraktives Sportzentrum begeistert, wird in dieser Arbeit hinterfragt.

Das eigentliche Spektakuläre bleibt beim Durchqueren der Grünfläche Hardhof auf den ersten Blick verborgen. Drei grosse Anreicherungsbecken liegen hinter Aufschüttungen und dichtem Gehölz versteckt. Das Uferfiltrat der Limmat wird hier in drei je 4000 Quadratmeter grossen Becken gesammelt, wo es versickern kann und dem Grundwasserstrom wieder zugeführt wird. In liquid projection I-III werden diese Infrastrukturanlagen der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Als gigantische Öko-Pools dienen sie in den Sommermonaten als Orte der Abkühlung, Kontemplation und für sportliche Aktivitäten. Die wassertechnischen Anlagen werden so, ohne grösseres Zutun, als soziale Infrastrukturen aufgewertet. Ein Bäderpark als Bindeglied zwischen Industriequartier und der Grünau entsteht, der die isolierte Lage der Grünau verbessert und die öffentlichen Badestellen an der Limmat zusätzlich entlastet.

WALDRAP Renate Walter & Sebastian Lippok, 2019

liquid projection I-III, 2019
Video, Drei-Kanal-Installation
Konzept: WALDRAP Renate Walter & Sebastian Lippok
Produktion: Martin Wey, Felix Zeitler
Ton: Silvio Buchmeier

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Die Arbeit wird im Rahmen der Veranstaltung Architekturforum Zürich unterwegs in Altstetten gezeigt.

(ab)Normal

Everyday Ruins

Ausstellung 8. Juni –  27. Juli 2019

(ab)normal ist ein Kollektiv von Architekten. Seit 2017 und entwickeln sie mit Architekturillustrationen einen grafischen Roman, der keiner Chronologie folgt. Arbeitsmaterial für die Bilder sind verworfene Ideen und Konzepte aus Entwurfsprozessen. Die Autoren nutzen diese Versatzstücke als 3D Komponenten und konfigurieren sie in einem räumlichen Narrativ neu.

Dabei vermeiden (ab)normal traditionelle Strukturen, die den vertrauten, visuellen Raumbegriff aufbauen. Es entstehen ikonografische Architekturbilder, welche auch eine obsessive Kultur in Bezug auf Dichte, Internet und Medien widerspiegeln. Für die Ausstellung bei BALTSprojects wird eine Bildszene installativ eingesetzt. Drei grossformatige Projektionen bilden im Raum ein Triptychon und zeigen die Szene aus verschiedenen Standpunkten.

Die Architekten Luigi Savio, Mattia Inselvini, Marcello Carpino und Davide Masserini bilden das Kollektiv (ab)Normal. Die Zusammenarbeit entstand 2017. Motivation waren gemeinsam gemachten Erfahrungen mit Entwurfsprozessen und die wachsende Skepsis gegenüber fotorealistischen Darstellungen.

“(ab)Normal came out from the frustration that the four of us experienced rendering photorealistic images while working in architecture offices. Behind the layer of perfect photo-realism, architecture gets often banalized and reduced to its realizability. We wanted to explore the fantasies abandoned during the design process. For us, it is a therapeutic release of unexplored obsessions through illustrations.” (ab)Normal, Interview with KooZA/rch, 2019

(ab)Normal‘s Arbeiten wurde in verschiedenen Ausstellungen präsentiert: im S AM Basel (2018, ortsspezifische Arbeit zur Ausstellung Dichtelust), Anise Gallery London (2018, Datasutra – Einzelausstellung) und am Salone Internazionale del Mobile 2019 (MicroTools: The invisible Synapse – eine Zusammenarbeit mit KooZA/rch).

www.abnormalstory.com
www.instagram.com/abnormal_story/

Models of Thought

Thomas Hauri, Peter Märkli, Thea Moeller, Boris Rebetez,

Philipp Schaerer, Hagar Schmidhalter

Ausstellung 12. Oktober – 24. November 2018

Gedankenmodell: Wäre der Durchmesser eines Atoms so groß wie der Eiffelturm, dann hätte sein Atomkern den Durchmesser einer Erbse. Das Gedankenmodell ist geeignet, eine Verhältnisbildung darzustellen. Man kann auch sagen: Das Modell ist ein durch Abstraktion entstandenes, vereinfachtes Abbild der Wirklichkeit. Um einige Dimensionen kleiner sind solche Massstabsprünge auch aus Architekturmodellen bekannt. Was ist die Beziehung zwischen dem Modell in der Architektur und in der Kunst? Modelle in der Architektur sind Objekte die einen Vermittlungscharakter haben. Sie sind in konkrete Gegebenheiten verortet. Ihre Volumina werden nach Augenmass gewogen und gemessen in die jeweilige Umgebung gesetzt, der rudimentäre Charakter, der blosse Abstraktionsgrad solcher Modelle sind ausreichend um zu einer kontextuellen Aussage zu kommen. In der Kunst hingegen, selbst in der klassischen Beziehung zwischen Künstler und Modell, war das Modell oft bloss Vorwand um darüber hinaus formal und inhaltlich völlig neue Sichtweisen zu generieren.

Der Ausstellungstitel MODELS OF THOUGHT bezieht sich auf eine Publikation von Herbert A. Simon, welche vor rund 40 Jahren veröffentlicht wurde. Simon arbeitete auf dem Forschungsgebiet der angewandten Mathematik, Statistik, Organisationslehre, Entscheidungsfindung und Problemlösung. So der Titel klingt, so abstrakt werden darin Kognitions-Prozesse beschrieben. In der Folge waren die daraus resultierende Modelle Grundlage zur Entwicklung von künstlicher Intelligenz und Theorien in den Wirtschaftswissenschaften. Demnach sind solche Modelle reale oder irreale Systeme, die andere Systeme so darstellen, dass eine experimentelle Manipulation der abgebildeten Strukturen und Zustände möglich wird. Diese Modelle besonders kybernetische Modelle («die Kunst der Steuerung») können zu verschiedenen Zwecken verwendet werden: Beobachtung, Überprüfung, Steuerung, Simulation und Prognose von Systemen.

Die Ausstellung bei BALTSprojects ist demgegenüber eine Antithese zu Kalkulierbarkeit und Berechnung. Sie lotet damit die Grenzen von Modellen als künstlerische Produktion aus und öffnet damit ungeahnte Interpretationsspielräume. Gezeigt werden sechs Positionen von KünstlerInnen und Architekten. Fragen der Wahrnehmung, Wirkung von Material und Konstruktion und deren Nachvollziehbarkeit in den jeweiligen Arbeitsprozessen werden deutlich gemacht.

Bei den vorliegenden Kunstwerken handelt es sich weniger um Modelle, denn um eigenständige Werke mit Modellcharakter. So transformieren sich im Werk swim center von Thea Moeller aus alltäglichen Materialien beiläufig architektonische Elemente wie Bassin oder Wolkenbügel in einen etwas vernachlässigten und labilen Erholungsbereich unter einer Pergola. In Boris Rebetez Topique Nr. 2 dient ausladendes Untergestell als standsichere Basis für einen Pavillon aus eingefärbten transluzenten Gläsern, welche für eine kolorierte Infiltration des Tageslichtes sorgen. Durch die Malerei von Thomas Hauri wirkt eine unbekannte Oberflächenstruktur und tritt wie blinde Spiegel in Erscheinung. Die unter dem Namen Chicago Series zusammen-gefasste Bildarbeit von Philip Schaerer stützt sich auf Fragmente anonymer und verborgener Architektur aus dem Grossraum Chicagos und übersetzt diese zu eigenständigen und veredelten Bild-Architektur-Objekten. In Peter Märkli’s Zeichnungen sind Fassaden, und wie deren einzelne Elemente oder Knotenpunkte (bsp. Stütze und Decken) zusammenfinden, Schwerpunkte der Untersuchung. Die Zeichnungen sind selten zeitgleich mit einem Projekt verbunden. Es kann sein, dass Studien erst Jahre später in einem Projekt Eingang finden. Hagar Schmidhalter’s Arbeit schliesslich gibt als doppelte Blendung hinter einer Plexiglasvitrine jenen Moment der Belichtung im Scanverfahren wieder: ein optisches Abbild ohne Vorlage belichtet, wodurch ein latentes Bild aus elektrischen Ladungen entsteht.

René Fahrni

Blinds

Ausstellung 30. August – 29. September 2019

Es sind einfachen Materialien wie Holz, Leim, Farbe die Fahrni für die Realisierung seiner Objekte nutzt. Quelle sind Alltagsobjekte, welche uns umgeben. Im Zentrum von Fahrnis Einzelausstellung bei BALTSprojects stehen nun Plastiken, die uns an bauliche Abschlüsse erinnern, wie wir sie täglich
sehen. Zurück übersetzt sind diese Objekte Blend-, Sicht-, Einbruchschutz oder Wetterschutzgitter bei Abluft- oder Entrauchungsöffnungen, Klapp- oder Jalousieläden. Fahrni interessierte daran das Zweideutige zwischen Abschluss und Öffnung, die formalen Merkmale dieser Elemente und die Bedeutung von innen und aussen.

Diese Themen waren Ausgangspunkt für die Serie Blinds. In der Ausstellung wirken die Blinds als Membran für Spekulation. Eine Abschottung als Gegenmodell zu unserem Alltag in welchem eine zunehmende Transparenz vom zwischenmenschlichen Bereich bis hin zur gebauten Umwelt keine untold stories mehr bietet. (1)

Die schwarze Bar schliesslich reiht sich ein in die Serie von Wohnobjekten, welche Fahrni seit 2008 im Massstab 1:1 mit einfachen Materialien aufbaut. Darin thematisiert er die Diskrepanz zwischen Wunschvorstellung und Realität an Objekten aus unserer Wohnkultur. Die schwarze Bar steht hier als
humorvolles Objekt der Begierde. Gemäss Künstler ein Ort, wo einem der Laden rauf – oder runtergehen kann.

(1) An dieser Stelle sei auch auf den Roman La Jalousie des französischen Autors Alain Robbe-Grillet verwiesen. Erschienen 1957, gilt es heute als Hauptwerk des Nouveau Roman. Der französische Originaltitel La Jalousie wurde auf Deutsch in seinen zwei Bedeutungen (Fenster-) Jalousie und Eifersucht übersetzt.

MONIKA STALDER

FUTURE MOONS

Ausstellung: 18. Mai – 21. Juni 2018

Für die Einzelausstellung bei BALTSprojects thematisiert Monika Stalder (*1981 in Sumiswald, lebt und arbeitet in Zürich) die dreizehn Vollmonde 2018 und inszeniert einen eigenen Kosmos mit raumgreifender Malerei, Licht und Sound. Sie schafft damit eine visuelle und akustische Komposition.
Während der Ausstellung finden unter dem Titel hommage à la lune #04 – #06 drei Live Sound Performances mit eingeladenen Gästen statt. Darin wird untersucht wie mit Sound Werkeindrücke verändert oder gar manipuliert werden können.

LIVE SOUND PERFORMANCES

DI, 19. Mai 2018 / 20.00
hommage à la lune #04
BITTER MOON

FR 15. Juni 2018 / 20.00
hommage à la lune #05
CLAUDIO FREDO IGNAZIO LANDOLT

Finissage
DO 21. Juni 2018 / 20.00
hommage à la lune #06
PAPIRO

Diese Ausstellung wurde unterstützt durch:

Laura Carralero Morales

El Orden del Desierto

Ausstellung 9. Juni bis 15. July 2017

Laura Carralero (1991, Havanna) setzt sich in ihrer Arbeit systematisch mit der Erinnerung von Räumen auseinander. Grundlage für ihre Arbeit ist dabei präzise Beobachtung ihrer Umwelt und das Destillieren von räumlichen Erfahrungen mit ihren eigenen Methoden. Die verbleibenden Bilder und flüchtigen Eindrücke verarbeitet Carralero zu Räumen, Plätzen und Fragmenten. Dabei vermengen sich Fiktion und Realität, Vertrautes und Unvertrautes in einem Bild.

Laura Carralero studierte Kunst am Instituto Superior de Artes (ISA), Havanna. Seit 2010 zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in Kuba und den USA. Einzelausstellungen: TOPUS URANUS, Galeria Altamira, Havanna (2017), Desierto, Fuccina des Artistas, Havanna (2017); Einzelausstellung und Künstlergespräch, Fundación Ludwig de Cuba, Havanna (2017). Gruppenaustellungen: Si! Cuba!, Avery Galleries, Pennsylvania USA (2017); Straight from Cuba: A Woman’s Perspective, Lois Lambert Gallery, Santa Monica USA (2016); Miramar601, Havanna (2016); La conciencia del espacio, Palacio de Lombilllo, Havanna (2015).

miniatures and landscapes

Ausstellung 10. Dezember – 28. Januar 2017

Die Ausstellung miniatures and landscapes zeigt eine Reihe von großmaßstäblichen Modellen, die versuchen, den architektonischen Raum oder Raumsysteme zu miniaturisieren. Ein Universitätsgebäude, ein Wohnblock, eine Sporthalle – jedes dieser Modelle wurde in den Maßstäben 1:50, 1:20 oder 1:33 gebaut. Einen dynamischen Pol zur Präsenz der Modelle bilden Fotoserien welche an die Wand projiziert werden. Diese zeigen Aufnahmen von ruralen und urbanen Landschaften. Die Modelle bewegen sich durch eine Folge der Landschaften. Es sind Räume und Raumsysteme die in Bewegung sind, und die zu Architektur werden, anstatt Architektur bleiben.

Die Modelle und Fotografien stammen direkt aus Arbeitsprozessen von Studierenden und jungen Architekten, gemeinsam ist ihnen die Beschäftigung mit einer Arbeitsweise, welche sich stark mit dem großmaßstäblichen Modell auseinandersetzt. Die Fotografien sind Aufnahmen von Leon Faust, welche auf seinen ausgedehnten Reisen entstanden sind.

Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit:
Jann Erhard, Leon Faust, Hermes Killer und Nathanael Weiss
Modelle: Giulia Augugliaro, Sebastian Carella, Jann Erhard, Lion Haag, Daniel Hurschler, Joni Kacani, Hermes Killer, Martin Kugelmeier, Juri von Aster, Sam Vontobel, Nathanael Weissss
Fotografien/Projektionen: Leon Faust

Öffnungszeiten Do – Fr 16.00 – 19.00
Sa 14.00 – 18.00 oder nach Vereinbarung

Tobias Nussbaumer

Transmapping

Ausstellung 19. August – 8. Oktober 2016

Mit der ortsspezifischen Installation «Transmapping» thematisiert Tobias Nussbaumer (*1987, Basel) die Wahrnehmung von realen und virtuellen Räumen. Der Titel beschreibt eine über-sich-hinaus (Trans-) strebende Kartografie (-mapping): eine räumliche Auseinandersetzung im Spannungsfeld zwischen Vorstellung und Wirklichkeit.

Computergenerierte Darstellungen verbreiten sich und die Ästhetik wird langsam Teil des Kollektivgedächtnisses. Das prominenteste Beispiel ist die Kartensoftware Google Earth, in der eine Annäherung an die reale Welt durch die Überlagerung von Luftbildern und Geodaten entsteht. Kleine Macken im Programm tragen zu neuer Bildsprache bei: unsaubere Schnittstellen zeugen von überlagerten Einzelaufnahmen, Vektorfehler blitzen auf, wenn der Nutzer die Grenzen des Zoomens überschreitet. Dieser landet hin und wieder in einer Hausecke, die sich doch nur als dünne Vektorhülle mit schwarzer Rückseite entlarvt. Diese Aufbrechung der Formen findet in Nussbaumers Werk Nachhall.

Die physischen Räume der Stadt werden bei Nussbaumer durch die Räume der digitalen Darstellung ergänzt. Ausgangslage der Installation ist eine Tankstelle im Basler Quartier Gundeldingen, an der Nussbaumer auf dem Weg ins Atelier immer wieder vorbei fährt. Die Lage an einer Strassenecke, in die Blockrandbebauung integriert, macht den Ort zu einer Negativform in der Stadtstruktur. Die Tankstelle wurde durch Nussbaumer in ein physisches Modell im Massstab 1:10 übertragen, um anschliessend in Originalgrösse in einer Bildserie dokumentiert zu werden. Die einzelnen Stationen des Prozesses sind bei BALTSprojects in Szene gesetzt: Im Ausstellungsraum befindet sich der Betrachter in der Rekonstruktion einer bildhaft, räumlichen Reflexion des Künstlers.

Eine mit Leinwand verkleidete Stahlkonstruktion leitet in den «Denkraum». Das Eintreten durch die Leinwand von der Rückseite der Kulissen erinnert an das Durchqueren einer virtuellen Wand. Wie durch einen Mausklick in einem Rendering-Software sind unwirkliche Materialien auf die falschen Gegenstände appliziert: Kies im Innenraum, Eichenparkett auf der Stütze. Auf der eigens für die Ausstellung geschlossenen Fassadenseite ist die Bildserie des Tankstellen-Modells zu betrachten, die nebeneinander gehängt einen Bildraum von 13 Metern ergibt. Demgegenüber steht das Modell, das nur durch ein Fenster in einer Wand betrachtet werden kann.

Das physische Modellieren der Tankstelle stellt einen ersten Mapping-Prozess dar. Ein Handhabbarmachen und ein Vereinfachen der Realität, um eine kollektive Vorstellung einer Tankstelle, eines Ortes, zu evozieren: Rechteckig mit flachem Dach, Garageneinfahrt, Pumpsäulen und Schaufenster. Als moderne Sehhilfe bzw. Projektionsfläche, ähnlich der Perspektiv-Apparatur Dürers, dient nun das IPhone. Auf der Mittelachse des Models montiert wurde damit ein 360°-Panorama erstellt. Die durch das automatisierte Zusammenfügen der einzelnen Bilder entstehenden Überschneidungen und Sprünge nutzt und verstärkt Nussbaumer in seiner Malerei. Ausgehend von dem IPhone-Panorama arbeitete sich der Künstler von einem dunklen, mit Aquarelltinte erstellten Hintergrund in die Helligkeit des weissen Haftprimers.

Hier kommen Fragen zu Zwei- und Dreidimensionalität auf: Die Bewegung des Betrachters spielt eine wichtige Rolle, um das Werk vollständig zu erfassen. Er befindet sich so zu sagen im Modell und wird gleichzeitig zum Teil des Bildes, des Werkes. Die flachen Blätter wirken räumlich, das räumliche Modell wird durch das Fenster vermeintlich zweidimensional in die Fläche projiziert.

Eine Tankstelle ist nicht entworfen, um durch ihre Form zu entzücken. Der Raum wird als Einrichtung für den Warenverkehr unterbewusst wahrgenommen, generisch bis zur Unsichtbarkeit. Hier geht es um Wiederholung, Alltäglichkeit und Monotonie. Die ländliche Tankstelle kann aber auch als Oase einer Wüstenkarawane funktionieren, als Hafen einer Seeroute. An der Tankstelle verlässt man kurz die mobile Privatsphäre des Autos und setzt sich Begegnungen aus. Der Verkehrsfluss wird menschlich, löst sich in seine Bestandteile auf. In der Innenstadt ist die Tankstelle hingegen fast ein Fremdkörper – ein Element der Automobilität unter Velofahrern, Trams und Fussgängern. Die Tankstelle in Gundeldingen ist aber trotzdem kein losgelöster Nicht-Ort. Der verlassene Laden wird zum Versprechen, da lauert ein Potential. Hier hat gerade etwas stattgefunden, hier findet wieder etwas statt. Die Erinnerung ist im Raum hängen geblieben.

Frida Grahn

Frida Grahn (1983) lebt und arbeitet als freie Autorin und Architektin in Zürich. Derzeit ist sie im Nachdiplomstudium in Geschichte und Theorie der Architektur am Institut gta der ETH Zürich eingeschrieben.

Eight Canvas – One Painting

Patric Sandri

Ausstellung: 3. Juni bis 16. Juli  2016

12.7.2012, 12.30: dark green, bright blue, orange, dark yellow

5.9.2015, 8:50: pale yellow, bright pink, bright light green, pale green-blue

31.5.2016, 17:05: light blue, yellow-grey, orange-green, dark red

30.7.2008, 20:00: bright orange, green-blue, sand-yellow, dark violett, pink

29.10.2011, 15:00: pale blue-violet, pale yellow, bright prange, dark green

27.1.2007, 11:27: yellow white, pale-pink, light blue-green, dark grey-violett, orange-red

13.3.2010, 10:10: bright dark green, yellowish white, orange, lila, rose, grey-blue

30.6.2005, 16:00: purple, white-green, pale light violett, bright red, dark yellow

5.11.2015, 13:35: grey-rose, pale light yellow-green, dark purple, light pale violett

17.4.2016, 8:05: green-yellow, dark red, dark blue, lila, pistachio-green, white-blue

23.8.2013, 21:20: dark red, pink, bright orange, bright yellow-green, light blue, dark violett

13.2.2014, 9.30: pinkish white, pale yellow, light violet, grey-green

Philipp Schaerer

Ausstellung: 16. April – 21. Mai 2016

Philipp Schaerer arbeitet mit der freien Anwendung digitaler Bildverfahren. In seinen Arbeiten ist Täuschung ein zentrales Thema. Es sind konstruierte Bildwelten, die mit Referenzen, Verweisen und Vorbildern arbeiten und das zunehmende Verwischen der Grenze zwischen der digitalen Bilder- und der materiellen Objektwelt thematisieren.
Schaerers Hauptaugenmerk gilt der Generierung und Verarbeitung von Bilddaten. In diesem Arbeitsfeld bedient er sich eines breiten Repertoires an digitalen Abbildungstechniken und Bildstrategien. Sei es durch das Schaffen abstrakter Bildkompositionen, die mit dem Zusammenschnitt von digitalen Bildbausteinen und Komponenten aus 3D-Modellbibliotheken operiert. Oder sei es mit der Konstruktion fotografischer Abbildungen, die von Grund auf mittels Bildmontage oder Bildsynthese (Rendering) neu konzipiert worden sind.
Seine Arbeiten bedienen sich meist der angebotenen Freiheit flächiger Abbildungsmethoden; es sind Bildkonstruktionen die ihrer eigenen Logik folgen. Bildkonstruktionen, die mal vordergründig den optischen Regeln der Fotografie folgen, sich dann aber verweigern – eine abstrakte Zweidimensionalität hervorkehren oder sich über die realen innewohnenden, wechselwirkenden, physikalischen Gesetze der fotografisch abgebildeten Objekte hinwegsetzen. Seine oft in Serien verfassten Arbeiten, wie auch das isolierte Abbilden von fiktiven Einzelobjekten über eine grössere Bildfolge spielen bewusst mit den Methoden der enzyklopädischen Erfassung der Wirklichkeit und der objektbezogenen typologischen Fotografie. Die Parallelen sind jedoch nur formaler Natur. Sie stellen vielmehr unsere Wahrnehmung auf die Probe, führen unsere eigene Unsicherheit und Unschärfe bezüglich der Unterscheidung zwischen Bild und Abbild vor Augen und machen uns die zunehmende Verwischung ihrer Grenzen in unserer Gegenwart bewusst.
Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von Philipp Schaerers Arbeiten. Gezeigt werden nebst den bekannteren objektabbildenden Bildserien auch abstraktere Arbeiten, die einerseits direkt mit der Generierung und Verarbeitung von Bilddaten zu tun haben, wie auch Arbeiten, welche die Auseinandersetzung zwischen Oberfläche, Körper und Bildraum unter Einbezug von neueren bildgebenden Verfahren sucht. Zur Ausstellung erscheint die erweiterte Zweitauflage der Monografie BILDBAUTEN, welche ab Ausstellungseröffnung bei BALTSprojects aufgelegt wird:

BILDBAUTEN – PHILIPP SCHAERER
Herausgegeben von Reto Geiser mit Beiträgen von Nathalie Herschdorfer, Martino Stierli und Philip Ursprung; Standpunkte, Basel 2016 (erweiterte englische Ausgabe), 96 Seiten, 32 Farbabbildungen, Hardcover, 210 x 280 mm, ISBN 978-3-9524577-0-2, 40 CHF/EUR/USD

Silence & Color

Hans-Peter Kistler

Ausstellung: 22. Januar bis 5. März 2016

Eine transluzide Begegnung

… der Klang wächst aus der Stille, das Geräusch ebbt ab, im Nachklang klingt eine Ordnung an, bis alles wieder in Stille mündet …
(frei nach Hans Saner, aus: Anarchie der Stille, Basel, 1990)
Die Arbeiten von Hans-Peter Kistler für Silence & Color sind Untersuchungsergebnisse einer elementaren Befragung der Malerei und deren Grenzzuständen: Trägermaterial, Bindemittel, die Suche nach Erde oder Gestein für die Gewinnung von Pigmenten, Raumlicht, Reflektion, Ausnahme, Farbtiefe, Trocknungsphase, Schichtung, Schnittfläche, Oberflächenspannung, Rand, Skala, Staffelung, Oberflächenbeschaffenheit, Muster, Reihung, und die dazwischenliegenden Satzzeichen.
Gebrauchte Bettlaken der Diakonie Bethanien dienten als Basis und Bildträger einer Reihe von raumhohen transluziden Platten SilentColor in unterschiedlich erdigen Farbtönen für den Andachtsraum Raum der Stille des sich momentan noch im Bau befindenden neuen Diakoniezentrums in Zürich-Altstetten. Die Bettlaken wurden vollständig mit verschiedenen Pigmenten aus diversen Erdteilen durchtränkt und in weiteren Giessvorgängen in Epoxydharz eingebettet und ausgehärtet. Die liegende Position der Bettlaken wird verlassen und kann so in einer teilweise überlappenden Reihung aufgerichtet werden. Sie bildet eine Membran zwischen einer langen Fensterfront und Innenraum. Als Farbfilter wird diese wachsartig anmutende Tafelreihe für die unterschiedlichsten Erscheinungsformen des Tageslichtes sorgen und den Raum in eine geborgene Atmosphäre, einer synästhetischen Entsprechung von Stille tauchen.
Die Böden der Kipppaintings, welche als Wanne ausgebildet durch hohe Rahmen umschlossen sind, befinden sich während dem Giessen in einem geneigten Winkel. Das zähflüssige Giessharz findet dennoch selbst nivellierend zu seinem ewigen Horizont und bildet einen Keil. Nach einer Trocknungs- und Aushärtungsphase wird der Vorgang auf der anderen Seite wiederholt und zuletzt der restliche trapezartige Hohlraum mit einem neuen Farbton aufgefüllt. Ein präziser Längsschnitt durch den gesamten Block inklusive Rahmengeviert öffnet schliesslich die Sicht in die stattgefundenen Kippereignisse. In der Schnittfläche verlieren sich die Keile in unbestimmten Räumen, wobei die verblüffende Wirkung aus der effektiven räumlichen Tiefe dieser Kisten resultiert, als Vivisektion von Farbe, Form und Inhalt.
Weitere Zusammenstellungen sind unerhört präzise Setzungen aus ebenfalls mit Pigmenten eingefärbten, lichtdurchlässigen Tafeln im Verhältnis zu weiss grundierten Leinwänden und Keilrahmen aus Grauwasser, Persischrot Nickeltitangelb Kobaltblau. Die aufgefächerten Farbskalen Scales, Rot-Gelb-Blau dagegen sind bunte Partituren, welche auch in den Seitenrändern aus zahlreichen Farbschichten der gegossenen Blöcken Farbrinne, Zinkeisen Malachit ihren Anteil an dieser Buntheit signalisieren.

BALTSprojects, Zürich, im Dezember 2015

Projects Nobody Asked For

Ausstellung: 18. Dezember bis 16. Januar 2016

Antworten auf ungestellte Fragen

Architektur Machen heisst Gestalten in Unfreiheit, im Dienste von Auftraggebern, eingeschnürt in ein Korsett, bestehend aus sozialen, wirtschaftlichen und gesetzlichen Rahmenbedingungen. Gebaute Architektur ist immer ein Kompromiss, resultierend aus einem Planungsprozess, in dem verhandelt, hinterfragt, kreiert und kostenoptimiert wird.

Am Ende zählt jedoch die räumliche Qualität, die weder mit Messgeräten noch ausgeklügelten Tabellen quantifizierbar ist. Man kann den Wert eines berührenden Raumes, einer umwerfend schönen Proportionierung oder räumlichen Spannung nicht in Geld aufwiegen. Deshalb ist die Frage nach dem Wert guter Architektur, wie sie spätestens seit dem Bilbao-Effekt von Standortoptimierern diskutiert wird, letztlich irrelevant. Was zählt ist nicht der Wert, sondern der Sinn einer Architektur.

Die Beiträge der Ausstellung „Projects Nobody Asked For“ erwirtschaften keine Rendite und sind in diesem Sinne wertlos. Sie sind aber nicht sinnlos, denn auch nicht realisierte oder unbaubare Projekte sind  Architektur, wenn auch in einem pränatalen Stadium. Sie zeigen auf mehr oder weniger starken Vereinfachungen basierende Ideen, die für sich stehen und deren Verwertbarkeit offensichtlich nicht im Zentrum des Interesses gestanden haben kann. Sie entstanden beim Entwerfen ins Blaue hinein, ohne Auftraggeber, Realisierungschance oder Bezahlung, denn Architekturideen sind weder Wissenschaft noch Kunst, weswegen sie weder von der Industrie noch von einem aus Stipendien und Preisen bestehenden Fördersystem alimentiert werden.

Aber warum brütet man in Zeiten ökonomischer Prosperität und voller Auftragsbücher über Darstellungsmethoden der Kräfte, die auf die Stadt einwirken? Wieso muss heimlich ein Killerhase in einem Gipsmodell, welches ahnungslose Architekturstudierende gegossen hatten, bei Nacht und Nebel fotografisch festgehalten werden, zigmal? Die Antwort wissen vielleicht nicht einmal die Verfassenden mit Bestimmtheit. Die Architekturgeschichte zeigt, dass Entwürfe aus „Eigeninitiative“- ein Pleonasmus, der auf Webseiten selbstdeklarierter innovativer Architekturbüros grassiert – wohl so alt sind, wie die Architektur selbst. Sie sind Trockenübungen – von den Widrigkeiten des Alltags entkoppeltes Gedankenspinnen. Aber hat es sich damit?

Es besteht nun doch eine Parallele zu den Wissenschaften, die zwischen Grundlagen- und angewandter Forschung unterscheiden. Grundlagenforschung ist nutzlos, aber nicht sinnlos: Die Konsequenzen des neuerlangten Wissens sind nicht voraussehbar, man vertraut jedoch aus Kenntnis der Wissenschaftsgeschichte darauf, dass sich konkrete Anwendungen ergeben werden. So entstanden unseren Alltag bestimmende Dinge, wie das Internet oder der Laser beiläufig, ohne dass es dafür konkrete Aufträge gegeben hätte. In Entsprechung dienen „Projects Nobody Asked For“ dem Erkenntnisgewinn, der Findung von möglicherweise universell anwendbaren Ideen. Denn gute Architektur bedingt zu allererst gute Ideen, die weder durch Geld noch durch unzählige Stunden akribischer Fleissarbeit ersetzbar sind. Was oftmals in der Stille der Nacht in Hinterzimmern der Architekturbüros entstand, soll nun im Sinne einer Auslegeordnung für einmal sichtbar gemacht werden.

Versucht man die Projektauswahl zu kategorisieren, so finden sich hypothetische Häuser in der Landschaft von Pascal Flammer, smarch, Kawahara Krause Architects und Philipp Schärer, wobei letzterer in bester utopischer Tradition („ou-topos“ heisst ortlos) die Landschaft gleich mitentworfen hat.

Verankert im dörflichen oder städtischen Kontext sind mazzapokoras dramaturgische Dorfsilhouetten und Frei + Saarinens Moschee, die das Schweizer Minarettverbot umgeht. Religion und deren Repräsentation ist auch das Thema von Philip Loskants Sakralkörper – eine Chimäre aus diversen Modellbausätzen.

Inszenierung gefundener Mikroräume – seien es Alltagsgegenstände oder „gesquattete“ Gipsmodelle ahnungsloser Architekturstudenten finden sich bei Atelier Scheidegger Keller und bei Kasia Jackowska, die in einer zweiten Arbeit einen Idealentwurf für eine Bar zeigt, die der idealen Stadt des XXI. Jahrhunderts von Myriam Bönninghausen gegenübergestellt ist.

Vergleichsweise realitätsnah sind Mikel Martinez‘ und Alain Roserens‘ Vorschläge, welche die soziale Interaktion und Aktivitätsdichte im gegebenen Kontext stimulieren – ein Wagen der Schweizer Bundesbahnen sowie der suburbane Raum um Zürich.

Die isolierte Auseinandersetzung mit räumlichen Einzelphänomenen,  Fügungsprinzipien und Bauteilen zeigen Bojana Miskelijn, Club Club und WALDRAP, deren Ultimate Schoolhouse stellvertretend für die projektübergreifende obsessive Auseinandersetzung mit dem idealen Konstruktionsknoten aus Stützen und Balken steht.

Retro-Futurismus haucht durch das aufblasbare Projekt Fortress von wojr, das als einziges tatsächlich realisiert wurde, was smarch’s und Christian Waldvogels Projekt für eine Schweizer Landesbibliothek in näherer Zukunft wohl kaum vergönnt sein wird.

Währenddem weitere formalästhetische Experimente unter Anwendung noch zu entwickelnder Technologien in Sinne von Science-Fiction bewusst  ausgeklammert wurden, sind mit der Camenzind-Redaktion und Foreign Architects Switzerland ebenso intelligent wie provokativ schreibende Herausgebende vertreten, die weder Kosten noch Mühen scheuen, um Architektur zu diskutieren und vermitteln.

Sergej Klammers Arbeiten übertragen den Gedanken der Beantwortung ungestellter Fragen in den Kontext der Galerie von BALTSprojects: Auf die Anfrage, ob er räumlich-architektonische Projekte beizusteuern hätte, liefert er Apparate bei – wahrhaftige „Projects The Curators Didn‘t Ask For“…

Martin Saarinen, 2015

Marco Fedele di Catrano

The Poet’s Garden

Ausstellung: 5. Juni – 11. Juli 2015

“In order to remove, or shred files permanently from your system you have to use a program that is capable of rewriting the files with random series of binary data multiple times. This process is often called shredding. That way, the actual content of the file has been overwritten and the possibilities to recover such a shredded file are mostly theoretical.” [1]

Die Beschreibung einer sogenannten file shredder Software zeigt auf, wie unsere vertraulichen, digitalen Daten vernichtet werden können. Dabei wird ein Programm eingesetzt, welches die Daten nicht löscht sondern überschreibt. Durch dieses Verfahren können Daten zwar nicht wieder hergestellt werden, aber unsere Spuren im Internet oder auf dem Computer verschwinden zu lassen entpuppt sich als Illusion.

Die Erkenntnis, dass Struktur nicht vernichtet werden kann überlagert Marco Fedele di Catrano auf mehreren Ebenen mit dem vorgefundenen Raum. Die ehemalige Registerstanzerei agiert hier als hermetisches, leeres Gefäss und wir finden uns wieder inmitten einer Versuchsanordnung. Eine präzise Auswahl von baulichen Elementen speist er in einen Prozess ein, um uns das Scheitern der Illusion vom Verschwinden von Materie und Antimaterie vor Augen zu führen.

Die Kopierer drucken 1 Kopie/pro Minute, die Aktenvernichter können vom Besucher in Betrieb genommen werden. In einer analogen Aufzeichnung wird das Wiedergeben und die Vernichtung von Struktur ad absurdum geführt. Genauso wie die digitalen Daten nicht gelöscht werden können, kann Materie nicht vernichtet werden.

Ein Leitungskanal aus Eternit und eine Rohrleitung werden als Element kopiert, fotografiert, vervielfältigt und vermeintlich zerstört. Der Raum entleert sich nicht, sondern füllt sich mit neuem Material welches neu in einer Landschaft geordnet wird.

Der Poet’s Garden und Objekte aus Eternit standen sich in der Geschichte schon einmal gegenüber: Anlässlich der G59 (1. Schweizerische Gartenbau-Ausstellung 1959) präsentierte der Möbeldesigner Willy Guhl einen Strandstuhl aus Eternit, welcher heute zu den Designklassikern gehört. In Sichtweite zu Guhl’s Stühlen schaffte der Landschaftsarchitekt Ernst Cramer mit seinem Garten des Poeten ein Schlüsselwerk der modernen Gartenarchitektur. Ein geometrisch angelegter Garten mit künstlichen Pyramiden. Die beiden Innovationen ereilten unterschiedliche Schicksale: Der Garten der Poeten schockierte das Publikum und wurde unmittelbar nach der Ausstellung abgetragen. Eternit wurde in der Baubranche ein kommerzieller Erfolg, erst Jahrzehnte später wird die Schädlichkeit und dessen Auswirkungen auf Mensch und Umwelt und die damit verbundenen menschlichen und umweltpolitischen Dramen bekannt.

Die minimale Installation könnte ein Labor sein, welches schliesslich in einer Landschaft versinkt. Sie kann aber auch ein 1:1 Modell sein, welches losgelöst von Zeit und Kontext auf eine parallele Realität anspielt. Marco Fedele di Catrano gewinnt aus den vorgefundenen räumlichen Bedingungen und seinen persönlichen Recherchen eine künstlerische Aussage. Auch in dieser Intervention überschreitet er mit einer subtilen und präzisen Auswahl und Kombination von Elementen und Maschinenmassenware den architektonischen Raum um politische und gesellschaftliche Themen einzubinden.

[1] www.fileshredder.org

Pascal Flammer

The owls are not what they seem

21. November – 17. Januar 2015

„The owls are not what they seem“ benennt der Architekt Pascal Flammer seine Einzelausstellung und weist damit auf den Kern seiner Arbeit. Diese wirkt zunächst klar und vom calvinistischen Habitus geprägt. Jede Architektur von Pascal Flammer könnte in einem Satz beschrieben werden: Das traditionelle Holzhaus als Betonform – Die hybride Jurassisch/Japanische Holzscheune – oder: Das Stützen- und Decken-Bürogebäude mit verzahnter Treppe.

Die Titel beschreiben nicht nur Architektur sondern offenbaren zugleich die Dissonanzen welche sich in Form von paradox wirkenden Räumen und Kompositionen zeigen und eine starke Präsenz haben. Flammer spricht hier „von Formen, welche Momente erzeugen – etwas auslösen aber zugleich auch unbeantwortet lassen.

Die Ausstellung präsentiert Pascal Flammers Arbeit der letzten 10 Jahre. Sie ist als eine Art Kosmos angelegt und zeigt die gesamte Bandbreite seiner Auseinandersetzung mit Architektur. Zu sehen sind Miniaturen und Bildtafeln. Sowie eigene Plastiken, Skulpturen und Malerei. Diese künstlerischen Arbeiten sind fester Bestandteil von Pascal Flammers Arbeit. Sie sind die Quelle für Dissonanzen in seiner Architektur.

Thomas Hauri
22. August – 4. Oktober 2014

Das Aquarell ist die Kunst der Transparenz einer vielschichtigen, materiellen Übung: Jede mit dem Pinsel und der flüssigen Farbe auf der radikal offenen Oberfläche des Papiers vorgenommene Markierung ist sichtbar und bleibt nur bis zu einem gewissen Punkt korrigierbar. Das Aquarell übt auf den Künstler einen medienspezifischen Druck aus, den er durch bestimmte Methoden zwar begrenzt verringern, jedoch nie ganz beseitigen kann. Die Praxis des Aquarellierens ist eine Art Maschinerie, an die die Hand und der Geist des Künstlers angeschlossen werden und die, wenn sie einmal in Gang gesetzt wird, im Rahmen ihrer physikalischen Möglichkeiten gewissermassen von selbst verläuft. Der Schwerpunkt des Aquarells liegt, so scheint es, in der Verschränkung zwischen der Sensibilität eines handelnden Künstlersubjekts und dem gegebenen Voraussetzungsreichtum seines komplexen Mediums, der auf dem Papier autonom verlaufenden Äusserlichkeit des im Wasser gelösten Pigments.

Thomas Hauri baut die Tiefgründigkeit seiner meist auf architektonische und industrielle Formen referierenden Bildfindungen bewusst aus der genannten medialen Spezifität des Aquarells auf. Zu Beginn seines Arbeitsprozesses fixiert er Papierbögen auf einer auf einem Keilrahmen aufgespannten Leinwand und verleiht so der beweglichen Oberfläche des Blattes temporär eine feste und stabile Körperlichkeit. Durch den produktiven Umgang mit dem im Wasser stark verdünnten Pigment, meist handelt es sich um Elfenbeinschwarz, sowie durch das mehrfache Drehen, Stellen und Legen des am Keilrahmen angebrachten Büttenpapiers, entstehen auf dessen Oberfläche jene sich selbst vollziehenden, organisch-expressiven Strukturen, die für das Medium bezeichnend sind. Auf diese Eigendynamik des Aquarells reagiert Thomas Hauri durch ändernde und modifizierende Eingriffe. Durch das Abkleben von geometrischen Formfeldern setzt er dem Verlauf des eingefärbten Wassers seine Grenzen. Aufhellungen werden durch Rauswaschungen erzielt, Abschattungen durch das lasierende Darüberlegen weiterer Schichten. Assoziativ kontrolliert leitet Hauri den Entwicklungsrhythmus des Aquarells vom Hellen ins Dunkle, sodass die anfänglich körperlose Offen- und Unbestimmtheit des Papierweisses letztlich einer illusionistisch-tiefen, konzentriert-geometrischen Bestimmtheit weichen kann, die mit der stets sichtbaren Art und Weise ihres Hervortretens entschieden kontrastiert.

In den neun in der Ausstellung präsentierten Arbeiten gelangt die Dialektik zwischen kontrollierend handelndem Künstlersubjekt und autonom verlaufendem Bildmedium, wie sie dem Werk von Thomas Hauri konstitutiv innezuwohnen scheint, im genannten Sinne explizit zu ihrer Sichtbarkeit. Thomas Hauri präsentiert zum einen fünf 2013 und 2014 entstandene Bildfindungen, die in ihrer Bildsprache selbstbewusst zwischen der rationalen Sprache der geometrischen, architektonischen und industriellen Formen und der eigendynamisch-expressiv verlaufenden Sprache des eingefärbten Wassers changieren. Zum anderen zeigt er vier Werke jüngeren Datums, alle von 2014, die im Unterschied zu den bereits genannten Werken weniger auf den Konzepten der illusionistischen Tiefe eines sich zentral- bzw. polyperspektivisch öffnenden Bildraumes zu basieren scheinen, als vielmehr auf einer vom Künstler konzeptionell bestimmten, monochromen Vielschichtigkeit. Sowohl die drei durchgehend grauen als auch das einzige orangefarbene Bild der Ausstellung gründen auf derselben, vorgängig klar festgelegten Abfolge verschiedener Farbschichten. In ihrer finalen Erscheinung unterscheiden sich jedoch auch diese Werke, dank der Autonomie ihres Mediums, allesamt in einer tiefgründigen Dichte, die letztlich wiederum an palimpsestische Fassaden urbanistischer Industriebauten erinnern mag. Thomas Hauri präsentiert in der Ausstellung bei Balts Projects neun für sein aktuelles Schaffen charakteristische Werke, deren visuelles Angebot man unter dem Begriff eines produktionsästhetischen Illusionismus versuchsweise zusammenfassen könnte.

Lorenz Wiederkehr, 2014